Das sind die 71 besten Dokumentationen aller Zeiten All

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Foto: Everett Collection

Was macht einen Dokumentarfilm „wichtig“? Was macht es überhaupt wert, darauf Bezug zu nehmen, sich zu erinnern oder sogar zu sehen? Warum sollten wir uns in dieser Zeit des scheinbar ewigen gesellschaftspolitischen Streits vom gerühmten, glorreichen Eskapismus großer Spielfilme entfernen und stattdessen etwas Kleines sehen, das im Realen verwurzelt ist?

Dokumentarfilme können schwer zu verkaufen sein, aber es wird immer einfacher. Der Dokumentarfilm, der einst als etwas Starres und Verpflichtendes angesehen wurde, ist in den letzten Jahren an die Spitze des Haufens aufgestiegen – nicht zuletzt dank einiger der welterschütternden, nadelschiebenden und letztendlich weltverändernden Filme, die aufgeführt sind hier, die ihren Fokus in Krieg, Liebe, Sex, Tod und allem dazwischen finden. Und was diese Liste angeht – das einzige Kriterium ist, dass dies die von der Kritik gefeierten, historisch wichtigen und entscheidenden Filme sind, die eine Person, die sich für Film interessiert (und sich dabei oft für die Menschheit im Allgemeinen interessiert), wirklich kennenlernen sollte.

Nachfolgend die 71 besten Dokumentarfilme aller Zeiten in alphabetischer Reihenfolge:

13. (2016)

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Ava DuVernays unerschrockenes Eintauchen in Amerikas lange Geschichte der rassistischen Masseninhaftierung ist keineswegs eine leichte Uhr, aber es sollte dennoch erforderlich sein, sie zu sehen. Der Film interviewt Aktivisten, Akademiker und Politiker wie Angela Davis, Michelle Alexander und Jelani Cobb, um der grundlegenden Frage nachzugehen, warum die überwiegende Mehrheit der inhaftierten Personen in den USA Schwarze sind;Rollender SteinPeter Travers nannte den Dokumentarfilm einer der „explosivsten“ des Jahres 2016, und das aus gutem Grund.

Ein Gedicht ist eine nackte Person (2015)

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Les Blanks Dokumentarfilm über den legendären Rockmusiker Leon Russell wurde mehr als 40 Jahre vor seiner Veröffentlichung gedreht. Der Film über Russell, einen rätselhaften Künstler, der mit den Beach Boys, Eric Clapton, Joe Cocker und vielen, vielen anderen in seinem Tonstudio im Nordosten Oklahomas spielte, wurde teilweise aufgrund einer Verzögerung bei der Sicherung aller Musikrechte gestoppt stall . (Der Sohn des Regisseurs sicherte sich schließlich 2015 einen Kinostart für den Film.) Gefüllt mit unbezahlbarem Filmmaterial von Russell und seinen Zeitgenossen, die auftraten,Ein Gedicht ist eine nackte Persondient als Artefakt der kultigsten Jahre in der Rock 'n' Roll-Geschichte und entfaltet sich wie wasDie New York Timesals „Jam-Session“ bezeichnet.

Der Akt des Tötens (2012)

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Joshua Oppenheimers quixotischer, vage psychedelischer Film unterscheidet sich deutlich von jedem anderen Dokumentarfilm, den Sie wahrscheinlich jemals über einen Völkermord sehen werden. Oppenheimer untersucht das Massaker an Kommunisten und ethnischen Chinesen in Indonesien Mitte der 1960er Jahre (bei dem fast eine halbe Million Menschen starben), indem er einige der überlebenden (und stolzen) Henker einlädt, ihren eigenen Film über die Ereignisse zu drehen und die Geschichte zu erzählen durch eigene dramatische Nachstellungen. (Sie porträtieren nicht nur sich selbst, sondern auch Menschen, die sie verhört, gefoltert und getötet haben.) „Die Begeisterung, mit der [die zentrale Figur des Dokumentarfilms] Kongo und seine Landsleute das Projekt annehmen, ist erschütternd; das ist eine grausige Geschichte, wie sie von den Siegern erzählt wird“, Jonah Weiner schrieb imDer New Yorker.

Amerikanische Fabrik (2019)

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Das Überraschendste an dieser Auseinandersetzung mit dem Globalismus und der amerikanischen Arbeiterklasse der Filmemacher Steven Bognar und Julia Reichert ist, wie unerbittlich packend sie ist. Als 2008 eine GM-Fabrik in der Nähe von Dayton, Ohio, geschlossen wird, sehen die wirtschaftlichen Folgen katastrophal aus – eine ganze Gemeinde wird arbeitslos – bis sechs Jahre später ein chinesisches Unternehmen, Fuyao, zu Hilfe kommt. Fuyao belebt die geschlossene Fabrik als Autoglasfabrik wieder, aber was als nächstes passiert, wird alle einfachen politischen Narrative über die Gewinner und Verlierer des globalen Kapitalismus durcheinanderbringen.Amerikanische Fabrik,der erste Film aus Barack und Michelle Obamas Higher Ground Productions und a Bester Dokumentarfilm-Oscar-Gewinner 2020 ist ein komplexer, überaus menschlicher und intelligenter Blick auf die Kollision von Kulturen, die Bedeutung von Freiheit und die Zukunft der Arbeit.

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Amerikanischer Film(1999)Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Sony Pictures / Everett Collection

Amerikanischer Film (1999)

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Chris Smiths „Porträt eines teuflisch entschlossenen Filmemachers“ namens Mark Borchardt, ein 30-jähriger Gelegenheitsjob-Mann aus Menomonee Falls, Wisconsin, hat den „Geist des eigenwilligen unabhängigen Filmemachens“ eingefangen. nach Janet Maslin imDie New York Times, und hat sich auch als entscheidender Einfluss auf junge Filmemacher auf der ganzen Welt erwiesen. Schrieb Roger Ebert zum Thema des Films: „Kein Dichter in einer Pariser Dachkammer war jemals so entschlossen, erfolgreich zu sein.“

Amy (2015)

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Bevor Amy Winehouse ein Superstar wurde, der bis zu ihrem Tod im Jahr 2011 im Alter von 27 Jahren an einer Alkoholvergiftung bekanntermaßen außer Kontrolle geriet, war sie ein normales Mädchen mit einem sehr außergewöhnlichen Talent. Asif Kapadias brillanter Dokumentarfilm,AmySie verwendet Filmmaterial, das von ihren Freunden und ihrer Familie während des gesamten Umfangs ihres Ruhms aufgenommen wurde: Aufstieg, Gipfel und Abwärtsspirale. Teils Biografie, teils Meditation über Ruhm als den beliebtesten Blutsport der Menschheit, in ihrer Rezension des Films,ModeJulia Felsenthal von Julia Felsenthal schrieb, dass „[Winehouses] eventueller Tod . . . geht auf uns alle, von ihrer Familie und ihren Freunden, die sie nicht zu einer Frühreha gezwungen haben, über ihr Management und ihr Label, die sie zu sehr gedrängt haben, bis hin zu ihren Fans, die mehr von ihr wollten, als sie geben konnte, und der Gesellschaft insgesamt. zu unserem 24-Stunden-Nachrichtenzyklus, der sich von den persönlichen Trübsalen der Sterne ernährt, die wir verehren. Wir liebten sie so sehr, dass wir sie überlebensgroß gemacht haben; Aber als diese Art von Berühmtheit zu viel für sie war, als sie in Sucht und Selbstzerstörung verfiel, wandten wir uns gegen sie.

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Bill Cunningham New YorkFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Zeitgeist Films / Everett Collection

Bill Cunningham New York (2010)

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Der Film von Richard Press ist ein liebevolles Porträt eines einzigartigen Mannes, der damals 82-jährigen GeliebtenNew York Timesder Fotograf Bill Cunningham – der in dieser Zeitung als „eine Art Lorax der Mode“ „die Menschheit im Strudel des Lebens sucht und einfängt“ – der die Schönheit der Individualität in der Branche und darüber hinaus feierte. „Wir ziehen uns alle für Bill an“Mode's Chefredakteurin Anna Wintour, sagt in dem Film. Schrieb dasMal, „Er ist ein Ästhet und ein Asket, ein Mitglied des Establishments und ein Bohème und einer der letzten seiner Art.“

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SchwarzfischFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Magnolia Picture / Everett Collection

Schwarzfisch (2013)

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„Wenn du 25 Jahre in der Badewanne wärst, denkst du nicht, dass du ein bisschen psychotisch wirst?“ Diese Frage stellt sich in Gabriela Cowperthwaites investigativem Blick auf die Kluft zwischen dem öffentlichen Image von SeaWorld und der Realität hinter den Kulissen, wenn es um den Umgang mit seinen Orcas geht, wie der Fall um Tilikum zeigt, einen Bullenorca, der an den Todesfällen beteiligt war von drei Personen. Obwohl eine schwierige Uhr,Schwarzfischist weniger für seine Regie oder seine Kameraführung bemerkenswert als für seine ruhige, begründete Argumentation und seine realen Ergebnisse: Die Besucherzahlen bei SeaWorld sind seit der Premiere des Films stark zurückgegangen; Das Unternehmen hat sein umstrittenes Orca-Zuchtprogramm beendet und damit begonnen, seine Show „Shamu“ in Kalifornien auslaufen zu lassen.

Bowling für Columbine (2002)

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Michael Moore konfrontiert in diesem Film die Beziehung Amerikas zu Waffen in seinem charakteristischen gutmütigen Stil, wobei er die Schulschießerei an der Columbine High School in Littleton, Colorado, als Ausgangspunkt nimmt. Er stellt Fragen, die dieses Land fast zwei Jahrzehnte später immer noch verfolgen, wie: Warum ist Amerika waffensüchtig? Welche Rolle spielen die Medien? Und warum sind wir so zufrieden damit, unser Leben in Angst zu leben?

Buena Vista Social Club (1999)

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Wim Wenders hat mit diesem Film, der Wenders Freund, den Rockmusiker Ry Cooder, erzählt, wie er 13 Kubaner zusammenbringt, um ein Album aufzunehmen und außerhalb Kubas aufzutreten, die von und nach Kuba reisen, ein Ensemble kubanischer Musiker zu Weltruhm katapultiert noch stark eingeschränkt. Der Film wurde für einen Oscar nominiert für seine herzliche und ausgelassene Feier einer Kultur und eines Landes, die jahrzehntelang von Amerika isoliert waren. Wenn Sie die Musik der Band kennen, ist dies die Hintergrundgeschichte, wie der Social Club zu Megastars auf der ganzen Welt wurde.

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Last der TräumeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Flower Films / Everett Collection

Last der Träume (1982)

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Fast fünf Jahre lang versuchte der gefeierte deutsche Filmemacher Werner Herzog verzweifelt, einen der ambitioniertesten und schwierigsten Filme seiner Karriere fertigzustellen:Fitzcarraldo, die Geschichte eines Mannes, der entschlossen ist, im Dschungel ein Opernhaus zu bauen (und dazu ein Flussboot durch den Regenwald von einem Flusssystem zum anderen schleppt). Die Produktion, die vor Ort tief in den Regenwäldern Südamerikas gedreht wurde, war scheinbar von Anfang an mit Problemen behaftet. Zwei seiner Stars verließen früh: Mick Jagger, für eine Konzerttournee; Jason Robards, der mit Amöbenruhr nach New York eilte und ihm von seinen Ärzten die Rückkehr verboten wurde, musste ihn durch Klaus Kinski ersetzen. Andere Pannen sind Flugzeugabstürze, Krankheiten und ein Grenzkrieg zwischen lokalen Stämmen – sowie Herzogs Entschlossenheit, die entmutigendsten Szenen ohne Modelle oder Spezialeffekte zu drehen, einschließlich einer Sequenz, bei der Hunderte von Stammesangehörigen einen 320 Tonnen schweren in Originalgröße ziehen müssen Dampfschiff über einen kleinen Berg. „Was treibt Herzog an, Filme zu machen, die seinen Verstand auf die Probe stellen und sein Leben und das seiner Mitarbeiter riskieren?“ Roger Ebert fragte in seiner Rezension , unter Berufung auf Stanley Kauffmann, inDie neue Republik, der, in Eberts Worten, argumentierte: „Für Herzog besteht der Zweck des Films darin, den Tod zu riskieren, und jeder seiner Filme ist in gewisser Weise eine Herausforderung, die aufs Spiel gesetzt wird.“ Les Blanks Film ist ein außergewöhnliches Dokument des Filmemachens und ein Einblick in die zielstrebige Mission eines der furchtlosesten Regisseure des Kinos.

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KameramannFoto: Lynsey Addario / Mit freundlicher Genehmigung von Janus Films / Everett Collection

Kameramann (2016)

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'Kameramannist das Werk einer Dokumentarfilmerin – Kirsten Johnson, die mit Leuten wie Laura Poitras und Michael Moore zusammengearbeitet hat –, aber es sind eher Memoiren als eine reine Dokumentation. Mit Filmmaterial aus den verschiedenen Filmen, die sie für andere gedreht hat, sowie Heimvideos ihrer Mutter, die an Alzheimer erkrankt ist, und ihrer Zwillingskleinkinder collagiert Johnson ein kunstvolles Porträt ihres Lebens hinter der Kamera. Es ist ein zutiefst persönlicher, bewegender Film, der provokante, wichtige Fragen über die Macht und Verantwortung stellt, das Leben anderer zu dokumentieren“, schriebMode’s Julia Felsenthal.

Gefangennahme der Friedmans (2003)

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1987 wurden Arnold Friedman, ein pensionierter Schullehrer in den Fünfzigern, und sein jüngster Sohn Jesse, damals 18 Jahre alt, in Great Neck, Long Island, festgenommen und des wiederholten sexuellen Missbrauchs von Jungen angeklagt, die an den Computerkursen teilnahmen, die sie unterrichteten in ihrem Keller. Andrew Jareckis Film (sein erster) ist eine ergreifende Meditation über Perversion und WahrheitDer New Yorker schrieb , „bekräftigt die Familie als unausweichlichen Kessel großen Dramas – als Geburtsort und Nährboden der stärksten Emotionen, einschließlich des perversen sexuellen Verlangens, und auch als Ort der Versöhnung und des Trostes.“

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KrumeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Superior Pictures / Everett Collection

Krume (1994)

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Von Roger Ebert als „Treffen zweier Exzentriker in Sympathie“ beschrieben, Porträt des Regisseurs Terry Zwigoff des Künstlers Robert Crumb (den der Kunstkritiker Robert Hughes „den Bruegel des 20 mögenWeiter Truckin'undFritz die Katze, legt deren dysfunktionale Familie, Beziehungen und Sexualität offen. „Wenn Crumb nur ein Porträt hinter den Kulissen des Künstlers und seiner unruhigen Familie wäre, würde es eine gotische Faszination ausüben“, Stephen Holden schrieb imDie New York Times, „aber der Film kann noch viel mehr. . . Es gelingt ihm zu zeigen, wie die psychischen Wunden eines Mannes zu einer Kunst beigetragen haben, die persönlichen Schmerz in grelle visuelle Satire verwandelt.“

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CitizenfourFoto: Mit freundlicher Genehmigung von RADiUS-TWC / Everett Collection

Citizenfour (2014)

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Ein Großteil des Oscar-prämierten Films von Laura Poitras spielt sich in einem kleinen, Klaustrophobie auslösenden Hotelzimmer in Hongkong ab. Dort trafen Poitras und der Journalist Glenn Greenwald mit dem NSA-Auftragnehmer Edward Snowden zusammen, der heute gelegentlich als „meistgesuchter Mann der Welt“ bezeichnet wird. Poitras begann nur wenige Minuten, nachdem er Snowden zum ersten Mal persönlich getroffen hatte, mit den Dreharbeiten und fuhr fort, ihn zu filmen, als die Auswirkungen dessen, was er ihr und ihrem Berichterstatter Greenwald durchgesickert hatte, auf der ganzen Welt widerhallten. Was folgt, ist „nietend“, schrieb Abby Aguirre fürMode, „nicht zuletzt deshalb, weil wir Zeugen des menschlichen Dramas sind, das hinter Ereignissen steht, die wir bereits als Nachrichtenkonsumenten erlebt haben.“ Es ist teils Dokumentation, teils Action-Thriller, teils rasante Verfolgungsjagd. Es ist auch ein Blick darauf, wie ein paar Leute zusammenkamen, um die Welt, wie wir sie kennen, zu verändern – indem sie enthüllten, wie es die ganze Zeit wirklich war.

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Schau nicht zurückFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Granamour Weems Archiv / Alamy

Stadt aus Gold (2015)

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Laura Gabbert folgte der GeliebtenLos Angeles ZeitenLebensmittelkritiker Jonathan Gold für ihren Dokumentarfilm aus dem Jahr 2015, der zeigte, dass ihr Thema – ein Titan von Geschmack und Talent – ​​ein ebenso vielseitiger Mann wie ein Schriftsteller ist. (Gold war der erste, der den Pulitzer-Preis für Food Writing gewann, hauptsächlich wegen seines Laserfokus auf die regionale Immigranten-Esskultur von LA.) Der Film dient auch als Liebesbrief an Los Angeles, den Ort, an dem Gold geboren und aufgewachsen ist und, abgesehen von einem Aufenthalt in New York, als er bei . arbeiteteGourmetin den frühen Morgenstunden, wo er sein Leben machte. Gold starb 2018 an Bauchspeicheldrüsenkrebs; Der Film von Gabbert dient nun als einzige Möglichkeit, die besondere Freude seines Genies außerhalb seines Schreibens zu erfahren.

Höcker (2021)

Die Regisseure Parker Hill und Isabel Bethencourt sorgten beim virtuellen Sundance Festival 2021 mit ihrer eingehenden Erkundung des Lebens von drei Mädchen im Teenageralter in einer Militärstadt in Texas für Furore. Was als optimistischer Einblick in die aufkeimende Weiblichkeit beginnt, wird unweigerlich ernst, wobei sich ein Großteil der Dokumentation auf die verschiedenen Erfahrungen der Mädchen mit Vergewaltigungskultur und vollwertigen sexuellen Übergriffen konzentriert. Der Film verliert nie ganz seine Leichtigkeit; Der Ton funktioniert jedoch, indem er eine Version des südlichen Mädchens präsentiert, die gleichzeitig lebenslustig und angespannt ist.

Dunkles Geld (2018)

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„Kimberly Reeds Dokumentarfilm befasst sich mit einem heiklen Rechtsthema: die Geschichte (und die entscheidende Bedeutung der) Reform der Wahlkampffinanzierung, die Auswirkungen der 2010 theBürger vereintUrteil des Obersten Gerichtshofs und wer zieht die Fäden, wenn es um unsere gewählten Beamten geht“Modeschrieb im Jahr 2018. 'Es sollte wahrscheinlich für amerikanische Staatsbürger vorgeschrieben sein.'

Offenlegung (2020)

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Trans-Geschichte ist das Thema dieses Dokumentarfilms der Schauspielerin und ausführenden Produzentin Laverne Cox, und der Umfang, den er abdeckt, ist wirklich bemerkenswert. Transidentität wird in den Mainstream-Medien allzu oft unterschätzt, undOffenlegungzelebriert Trans-Freude und erkennt die Grenzen der Popkultur-Repräsentation an. „Wir alle haben uns an eine Kultur gewöhnt, die das Leben von Transsexuellen abgewertet hat, und wir verinnerlichen das oft zutiefst, egal ob wir trans sind oder nicht:Offenlegungist eine Unterbrechung davon, und es ist eine Möglichkeit, einzugreifen und anders zu denken und zu leben', sagte CoxModekurz nach der Veröffentlichung des Films.

Schau nicht zurück (1967)

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Direktor D. A. Pennebaker folgt dem berühmt zurückgezogenen (und ja, ziemlich streitsüchtigen) Bob Dylan auf seiner Tour durch das Vereinigte Königreich im Jahr 1965, auf dem er Konzertauftritte, Hotelzimmergespräche und Ausfallzeiten aufzeichnet (unterwegs trifft er auf Joan Baez, Alan Price und Marianne Faithfull). , während der Filmemacher den Vorhang für den „Volksmessias“ zurückzieht, als er seinen Wechsel zur Rockmusik beginnt.

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Enron: Die klügsten Jungs im RaumFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Magnolia Pictures / Everett Collection

Enron: Die klügsten Jungs im Raum (2005)

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„Buchhalter machten niemanden zur Rechenschaft, Regierungen gaben ihre Regulierungsfunktionen auf, die Medien machten Betrüger zu Stars, und eine Kultur der selbstgerechten Verlogenheit durfte gedeihen, solange die Aktienkurse hoch waren“, A. O. Scott schrieb imDie New York Timesvon Alex Gibneys Dokumentarfilm, der den perfekten Sturm einfängt, der zum Aufstieg und Fall der Enron Corporation führte, dem Energieunternehmen, das einst als siebtgrößtes des Landes eingestuft wurde und heute dank eines der berüchtigtsten Debakel der Welt ein Synonym für moderne Unternehmenskorruption ist Geschichte der Unternehmensskandale.

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Ausgang durch den GeschenkeladenFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Producers Distribution Agency / Everett Collection

Ausgang durch den Geschenkeladen (2010)

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„Die Brillanz vonAusgang durch den Geschenkeladen”, schrieb John Powers fürModeim Jahr 2010, 'ist, dass man nie weiß, wer an dem Witz beteiligt ist oder ob es sich überhaupt um einen Witz handelt.' Angeblich ein Film über den enorm populären anonymen Straßenkünstler, der als Banksy bekannt ist (und als der erste von Banksy inszenierte Film in Rechnung gestellt wird), handelt es sich stattdessen um den exzentrischen französischen Ladenbesitzer, der zum aufstrebenden Bansky-Dokumentarfilmer wurde, Thierry Guetta, der versuchte, sein Motiv zu finden und sich anzufreunden. nur damit der Künstler die Kamera wieder auf ihren Besitzer und auf die internationale Kunstwelt insgesamt richtet.

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F wie gefälschtFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Janus Films / Everett Collection

F wie gefälscht (1973)

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In einem ProjektDer Wächter namens „voller weltlicher Zynismus und augenzwinkerndem Charme. . . hinter denen sich eine winterliche Traurigkeit über Welles' Leben in den Illusionen und Tricks der Filme verbirgt“, verschwört sich Orson Welles mit seinen nicht vertrauenswürdigen Untertanen – einem Kunstfälscher namens Elmyr de Hory, der Fälschungen von Werken von Malern wie Picasso und Matisse verkaufte, und Horys Möchtegern-Biograph, der Journalist Clifford Irving, der selbst versuchte, die amerikanische Verlagswelt mit seiner angeblichen Autobiografie von Howard Hughes zu betrügen – und sie auf Distanz hält, „wie ein Zauberer mit seinem Kaninchen“. oder so gesagt Der New Yorker: 'Du kamst geblendet von der Taschenspielerei heraus.'

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Der Nebel des Krieges: Elf Lektionen aus dem Leben von Robert S. McNamaraFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Sony Pictures Classics / Everett Collection

Der Nebel des Krieges: Elf Lektionen aus dem Leben von Robert S. McNamara (2003)

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Errol Morris' Oscar-prämiertes Porträt von Robert S. McNamara – allgemein anerkannt (und verteufelt) als Architekt des Vietnamkriegs – fasst die Reflexionen seines Subjekts über sein Leben und seine Karriere in eine Liste von Maximen über Krieg und menschliches Versagen zusammen, mit wasDie New York Timesnannte „die kumulative Botschaft, die darauf hindeutet, dass in Kriegszeiten niemand an der Macht wirklich etwas weiß“. Es ist kein Film, der seinen Zuschauer beruhigen soll. „Glauben und Sehen sind oft falsch“, lautet eine Lektion. „Rationalität wird uns nicht retten“, sagt ein anderer. Das Finale (und das Traurigste) liefert Mr. McNamara mit einem Lächeln: „Man kann die menschliche Natur nicht ändern.“

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gib mir ObdachFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Maysles Films / Everett Collection

gib mir Obdach (1970)

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Die legendären Albert und David Maysles waren mit Charlotte Zwerin vor Ort, um die letzte Etappe der Amerika-Tournee der Rolling Stones 1969 festzuhalten, die berüchtigt in einem kostenlosen Konzert im Altamont gipfelte, bei dem vier Menschen getötet wurden, darunter ein junger Mann, der erstochen wurde ein Hells Angel (der für die Sicherheit angeheuert wurde) vor der Kamera. Es wurde sowohl als „ein End-der-Welt-Film . . . sehr deprimierend“ (Vincent Canby,Die New York Times) und gehört zu den größten Rockdokumentationen aller Zeiten (Rollender Stein).

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Die Ährenleser und ichFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Zeitgeist Films/ Everett Collection

Die Ährenleser und ich (2000)

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Von der französischen Filmkritikervereinigung Agnès Varda zum besten französischen Film des Jahres gewähltDie Ährenleser und ichfindet seine Inspiration in einem Gemälde von „Ährenlesern“ aus dem Jahr 1867 oder den Arbeitern, die Erntereste sammeln, nachdem sie von Bauern geerntet wurden, von Jean-François Millet. Die ikonische, in Belgien geborene Filmemacherin ist wohl ebenso bekannt für ihren eigenwilligen persönlichen Stil wie ihre Rolle bei der Entwicklung der französischen New-Wave-Bewegung und um sich ihr, ihrer Handkamera und ihrer kleinen Crew bei der Suche nach dem Modernen anzuschließen -Tagesäquivalente von Millets „Ährenleser“ in den Kartoffelfeldern Nordfrankreichs, den Weinbergen von Burgund und den Märkten von Paris soll eine neue Sicht auf die Welt um uns herum erleben. Varda, die die Schätze aus den Geschichten um sie herum herausholt, während sie über ihre eigene Sterblichkeit und das Wesen ihrer Kunst nachdenkt, ist auch eine Ährenleserin.

Klar werden: Scientology und das Gefängnis des Glaubens (2015)

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Alex Gibneys HBO-Film taucht tief in Scientology ein – mit Hilfe des endgültigen Scientology Wälzers von VeteranenNew-YorkerReporter Lawrence Wright – und das Ergebnis ist eine hervorragende Einführung in die Religion und ihre düstere Geschichte, einschließlich des Lebens ihres Gründers, L. Ron Hubbard, und ihrer aktuellen Galionsfiguren: darunter David Miscavige und Tom Cruise. Wie Wrights Buch dreht sich auch Gibneys Film um das persönliche Zeugnis ehemaliger Scientologen (wie Paul Haggis, dem Direktor vonAbsturz), die die Organisation verlassen haben, und liefern erschütternde Details über die gemeldeten repressiven und ausbeuterischen Praktiken. (Wenn Sie einen Beweis für seine weitreichenden Auswirkungen im wirklichen Leben brauchten, als der Dokumentarfilm auf der Shortlist für einen Oscar landete, angeblich die Scientology-Kirche eine Verleumdungskampagne gestartet Akademiemitglieder zu beeinflussen.)

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Graue GärtenFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Janus Films / Everett Collection

Graue Gärten (1975)

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Nur wenige Filme werden von Modedesignern so häufig zitiert wie die der MayslesGraue Gärten, das Edith „Big Edie“ Bouvier Beale und ihre Tochter Edith „Little Edie“ Bouvier Beale folgt, während sie sich in ihrem einstürzenden Herrenhaus in East Hampton tummeln, mit den Filmemachern flirten und über ihre glamouröse Vergangenheit sprechen. Umgeben von Sprösslingen von Reichtum und Macht – und den streunenden Katzen, Opossums und Waschbären, die sie als Gäste aufgenommen haben, die die Maysles bekanntermaßen während der Dreharbeiten Flohhalsbänder tragen mussten – entwickeln sich die Beales zu einer bizarren, abgeschiedenen Existenz, die letztendlich a Broadway-Musical und ein HBO-Film.

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Grizzly-MannFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Lions Gate / Everett Collection

Grizzly-Mann (2005)

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Werner Herzog hat wiedergefundene Ausschnitte von mehr als 100 Stunden Video, das von einem ehemaligen Schauspieler namens Timothy Treadwell aufgenommen wurde, der 13 Sommer unter wilden Grizzlybären in Alaska lebte, bevor er und seine Freundin 2003 von einem von ihnen gefressen wurden, um die— erstaunlich, wegweisend und von der Kritik gelobtGrizzly-Mann. Das Ergebnis (das Treadwell zeigt, der Sinn und Zweck in seiner Verbundenheit und Hingabe an die Bären fand, wie er mit den Grizzlys interagierte, die er nannte, gelegentlich mit der Hand fütterte und als seine Schützlinge ansah) wird zu einer Art Streit zwischen dem Filmemacher und sein Thema; Herzogs eigene, offen rationale, etwas zynische Sichtweise auf die Fähigkeit des Menschen, mit der Natur zu koexistieren, und Treadwells wahnsinnige, ekstatische Sichtweise.

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Harlan County, USAFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Cabin Creek / Everett Collection

Harlan County, USA (1976)

Anschauen: Auf HBO Max streamen

Barbara Kopples intimer, erschütternder Dokumentarfilm folgt einem jahrelangen Streik der Bergleute in den Brookside-Werken im Osten von Kentucky, während sie gegen die Betreiber der Mine und ihre Muttergesellschaft, die Duke Power Company, kämpfen. „Es ist ein brillant detaillierter Bericht von einer Seite einer Schlacht, die einen Todesfall, mehrere Schießereien und eine Flut heftiger Bitterkeit verursachte; und das brachte in Harlan County Erinnerungen an die viel blutigeren Kohlestreiks der frühen 1930er Jahre zurück.“ schrieb Die New York Times. Es ist ein Projekt, das heute Resonanz findet, da es „die eigentümliche Schrecklichkeit und Tapferkeit des Kohlebergbaus“ beleuchtet, da es deutlich macht, „warum Bergleute niemals zu Recht als weniger als ein ganz besonderer Fall behandelt werden können“.

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Hearts of Darkness: Die Apokalypse eines FilmemachersFoto: Mit freundlicher Genehmigung von American Zoetrope / Everett Collection

Hearts of Darkness: Die Apokalypse eines Filmemachers (1991)

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Francis Ford Coppolas FilmApokalypse jetztwurde 1979 in Cannes uraufgeführt, teilte sich die Palme d'Or und wurde zu einer der großen mythischen Produktionen der Filmgeschichte – obwohl sie von einer endlosen Abfolge von Umweltstörungen, Budgetüberschreitungen und gesundheitlichen Problemen, sowohl körperlich, als auch heimgesucht wurde und mental, unter vielen weiteren logistischen Albträumen. Eleanor Coppola, die Frau des Regisseurs und der kreative Motor dahinterHerzen der DunkelheitEr nahm rohes, hinter den Kulissen liegendes Filmmaterial auf, während es geschah, und verwandelte es mit Hilfe von Fax Bahr und George Hickenlooper in einen der intimsten Dokumentarfilme über das Filmemachen, die je gedreht wurden.

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Hoffnung TräumeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Fine Line Features/ Everett Collection

Hoffnung Träume (1994)

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Der Film von Steve James folgt William Gates und Arthur Agee, zwei afroamerikanischen Gymnasiasten aus Chicago, die professionelle Basketballspieler werden wollen. Ursprünglich als 30-minütiger Kurzfilm für PBS gedacht,Hoffnung TräumeStattdessen wurde etwas viel mehr als das: ein Grübeln über Ehrgeiz, Konkurrenz, Rasse und Klasse in der zeitgenössischen amerikanischen Gesellschaft, das 1994 beim Sundance Film Festival uraufgeführt wurde, wo es den Publikumspreis für den besten Dokumentarfilm gewann. Im seine Rezension , schrieb Roger Ebert, dass „ein Film wieHoffnung Träumedafür sind die Filme da. Es nimmt uns mit, erschüttert uns und lässt uns auf neue Weise über die Welt um uns herum nachdenken. Es gibt uns den Eindruck, das Leben selbst berührt zu haben.“

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Wie man eine Seuche überlebtFoto: Mit freundlicher Genehmigung von IFC Films/Everett Collection

Wie man eine Seuche überlebt (2012)

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„Der Schriftsteller Jorge Luis Borges schrieb, dass Literatur sowohl ‚Algebra als auch Feuer‘ ist, und dasselbe gilt für sozialen Aktivismus“, schrieb John Powers überWie man eine Seuche überlebtimMode. Regisseur David France verwendet Filmmaterial aus den späten 1980er und frühen 1990er Jahren, um ein inspirierendes Porträt der Aktivisten hinter ACT UP und TAG zu präsentieren – hauptsächlich junge schwule Männer, die glaubten, an einer HIV-bedingten Krankheit zu sterben, und dafür kämpften, dass andere dies nicht taten. die es geschafft haben, diese „Seuche“ aus dem Backbrenner zu nehmen, wo Politiker sie bevorzugen.

Ich bin nicht dein Neger (2016)

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In seinem Oscar-nominierten Film 2016Ich bin nicht dein Neger, verwendete der haitianische Regisseur Raoul Peck das letzte Buch des verstorbenen großen James Baldwin –Erinnere dich an dieses Haus, eine dreifache Biografie über das Leben und den vorzeitigen Tod der Bürgerrechtler Medgar Evers, Martin Luther King Jr. und Malcolm X – als Gerüst für eine umfassende Erforschung der Schwärze in Amerika. „Ich möchte, dass diese drei Leben gegeneinander prallen, wie sie es in Wahrheit getan haben, und ihre schreckliche Reise als Mittel nutzen, um die Menschen zu unterrichten, die sie so sehr liebten, die sie verraten haben und für die sie ihr Leben gaben“, schrieb Baldwin in einem Brief, in dem er ein Projekt beschrieb, das er sterben würde, bevor es richtig begann (an Magenkrebs, 1987, mit nur 30 Seiten Notizen).

Peck erweckt sein Thema in Archivmaterial und in Lesungen seiner Arbeit und Korrespondenz durch den Schauspieler Samuel L. Jackson wieder zum Leben. „Die Idee war, wie komme ich auf den ultimativen Baldwin?“ der Direktor erzählteMode's Julia Felsenthal im Jahr 2016. 'Wie stelle ich sicher, dass alle wieder zu seinem Schreiben zurückkehren?' Genau das sollte sein Film tun. Es ist eine bemerkenswerte Hommage an ein sehr bemerkenswertes Thema und eine eindringliche Erinnerung daran, dass Baldwins radikales Denken über Rassen in Amerika heute genauso relevant ist wie zu seinen Lebzeiten – und, abgesehen von massiven strukturellen Veränderungen und tiefer nationaler Selbstreflexion, so bleiben wird die Zukunft. 'Die Frage, die Sie sich stellen müssen, die sich die weiße Bevölkerung dieses Landes stellen muss, ist: Warum war es überhaupt notwendig, einen Nigger zu haben?' fragt Baldwin in einem gruseligen Filmmaterial. „Weil ich kein Nigger bin. Ich bin ein Mann. Aber wenn du denkst, dass ich ein Nigger bin, bedeutet das, dass du es brauchst und du musst herausfinden, warum. Und davon hängt die Zukunft des Landes ab.“

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JaneFoto: Mit freundlicher Genehmigung von National Geographic

Jane (2017)

Anschauen: Auf Disney+ streamen

Brett Morgen fügt früher verlorenes Filmmaterial zusammen, das von Jane Goodalls erstem Ehemann (dem schneidigenNational GeographicFotograf Hugo van Lawick) in diesem von der Kritik gelobten Dokumentarfilm über ihre frühen Jahre bei der Beobachtung von Schimpansen im Gombe Stream National Park in Tansania; und ganz allgemein über den Artenschutz und die nachhaltige Entwicklung und das Umweltbewusstsein, die Kreuzzüge ihrer letzten drei Jahrzehnte. Julia Felsenthal hat geschrieben fürMode: „Der Effekt ist weniger eine Grundierung auf Jane Goodall. . . als eine nostalgische Tondichtung über Lebenszyklen, über die Menschheit in ihrem natürlichen Kontext, ein impressionistisches Porträt einer Wissenschaftlerin, die ihr Metier findet, einer jungen Frau, die sich zu eigen macht, und ein unglaublich intimer Blick auf Schimpansen als Schimpansen.“

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Jiro Dreams of SushiFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Magnolia Pictures / Everett Collection

Jiro Dreams of Sushi (2011)

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ImJiro Dreams of Sushi, der damals 28-jährige Regisseur David Gelb steigt in eine U-Bahn-Station in Tokio und findet ein Sushi-Restaurant mit drei Michelin-Sternen und 10 Sitzplätzen, Sukiyabashi Jiro, das vom 85-jährigen Koch und Besitzer Jiro geleitet wird. Der Dokumentarfilm – eine Geschichte über Rituale, Disziplin und Besessenheit – entfaltet sich in verwobenen Koch- und Lebensszenen und schildert die Geschichte von Jiro, seiner Familie, dem Restaurant und der Intensität seiner Beziehung zu zwei sehr wichtigen Tutees (seinen Söhnen), und inspirieren unzählige Feinschmecker und andere Perfektionisten auf dem Weg.

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Kate spielt ChristineFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Grasshopper Film / Everett Collection

Kate spielt Christine (2016)

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Am 15. Juli 1974 unterbrach eine 29-jährige Moderatorin einer lokalen Nachrichtenagentur von Sarasota, Florida, ABC namens Christine Chubbuck ihre Live-Sendung, um die folgende Aussage zu lesen: „In Übereinstimmung mit der Politik von Channel 40, Ihnen das Neueste von ' Blut und Eingeweide' und in lebendiger Farbe werden Sie eine weitere Premiere sehen – einen Selbstmordversuch.“ Chubbuck hielt ihr dann eine Waffe an den Kopf und drückte ab. In Robert GreenesKate spielt Christine, die Schauspielerin Kate Lyn Sheil spielt eine Schauspielerin namens Kate, die sich darauf vorbereitet, Chubbuck in einem Biopic über ihr Leben darzustellen; Es ist ein genreübergreifendes, unheimlich berührendes Projekt, in dem Sheil ihre eigene Recherche zu Chubbucks Lebensgeschichte durchführt. Greene filmt diese Untersuchung, und sie wird wieModeJulia Felsenthal von Julia Felsenthal stellt in ihrer Rezension so etwas wie einen doppelten Dokumentarfilm fest – sowohl über Chubbuck als auch über Sheils Bemühen, den Charakter zu verstehen und zu bewohnen, und ob es moralisch anständig ist, dies zu tun.

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KatzeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Oszilloskop / Everett Collection

Katze (2016)

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Ceyda Toruns Film bietet einen Katzenaugenblick auf Istanbul, wo seit dem Osmanischen Reich Tausende von Katzen praktisch überall und überall frei umherstreifen und friedlich mit den Menschen koexistieren.Katze„gleitet durch Istanbuls Hintergassen, Boho-Enklaven und rattenverseuchte Piers, um uns die Bandbreite dieser Charaktere zu zeigen“, John Powers schreibt . „Während die flinke Kamera von Torun den Katzen folgt, die ihre Runden drehen – Futter klauen, Ratten fangen, Eindringlinge verscheuchen – bietet der Film einen Einblick in etwas Reicheres und Poetisches. Wir sehen, dass diese Katzen nicht nur wundersame Kreaturen an sich sind, sondern die ganze Stadt bereichern. Sie geben den Menschen um sie herum eine Vision von einer anderen freien, wilderen, spontaneren Lebensform, die in einem riesigen, stressigen und sich schnell modernisierenden Ort wie Istanbul leicht verloren gehen kann.“

Koyaanisqatsi (1982)

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Der wortlose, handlungslose, charakterlose und äußerst einflussreiche Film von Regisseur Godfrey Reggio kombiniert epische, bemerkenswerte Kinematographie mit der anschwellenden Intensität von Philip Glass’ Filmmusik und landet irgendwo im Reich des Nachdenkens über Mensch, Natur und modernes Leben und moderne Technologie. Der Titel des Films ist ein Wort der Hopi-Indianer, das laut Reggio 'Leben aus dem Gleichgewicht' bedeutet, und Reggio kämpfte angeblich mit dem Studio, da er sich wünschte, dass es überhaupt keinen Titel hat. „Es soll eher eine Erfahrung als eine Idee bieten“, sagte Reggio 2002 in einem Interview. „Für manche Leute ist es ein Umweltfilm. Für manche ist es eine Ode an die Technologie. Für manche Leute ist es ein Stück Scheiße. Oder es bewegt die Menschen zutiefst. Es hängt davon ab, wen Sie fragen. Der Weg ist das Ziel.“

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Mann auf DrahtFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Magnolia Pictures / Everett Collection

Mann auf Draht (2008)

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James Marshs Oscar-prämierter Film folgt dem französischen Straßenkünstler Philippe Petit, der 1974 eine der kühnsten, verrücktesten und verantwortungslosesten Meisterleistungen der Neuzeit vollbrachte, als er 1974 gut 45 Minuten zwischen den Türmen des World Trade Center.

Mcqueen (2018)

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Der Dokumentarfilm von Ian Bonhôte und Peter Ettedgui, der aus Archivclips aus fast 200 Quellen zusammen mit neuen Interviews und Originalmaterial besteht, ist um fünf von Alexander McQueens kunstvoll gearbeiteten, konzeptionellen Sammlungen herum geformt und beschwört sein Leben sowohl persönlich als auch ästhetisch herauf. Der Film bietet ein atemberaubendes visuelles Fest in den Aufnahmen dieser Laufstegshows, die selten von Personen außerhalb der Modewelt gesehen werden, und die emotionale Wucht, Zeuge eines überschwänglichen Talents zu werden, das auf Selbstzerstörung zusteuert.

Metallica: Eine Art Monster (2004)

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Die Regisseure Joe Berlinger und Bruce Sinofsky (von derParadies verlorenDokumentarfilme, die das Leben der zu Unrecht verurteilten West Memphis Three im Kampf um ihre Haftentlassung aufzeichnen) hatten Metallica-Musik in ihren Filmen verwendet. Eine Freundschaft war geboren, und 2001 stimmte die Band zu, dass die Regisseure ihren Versuch, ein neues Album zu machen, dokumentieren und die Folgen des Ausstiegs von Bassist Jason Newsted und James Hetfields Alkoholismus überlebten. Das Ergebnis ist eine Metallica, wie Sie sie noch nie zuvor gesehen haben: Lars Ulrich besucht eine Therapie und konfrontiert ein ehemaliges Bandmitglied, und die Männer unterwerfen sich den Launen eines Life-Coachs. Die A. V. Club sagt: 'Eine gefilmte Darstellung solcher Offenheit und Ehrlichkeit wäre bemerkenswert, wenn sie beispielsweise von Dashboard Confessional stammt, aber von Metal-Ikonen ist es geradezu surreal.'

Mein Oktopus-Lehrer (2020)

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Filmemacher Craig Foster dokumentiert in diesem überraschend herzerwärmenden Breakout-Hit seine Erfahrung, eine – gelinde gesagt – unwahrscheinliche Freundschaft mit einem Oktopus in einem kalten Unterwasser-Seetangwald in der Nähe von Kapstadt, Südafrika, zu schmieden. Die Verbindung zwischen dem Mensch-Oktopus-Paar macht oberflächlich wenig Sinn, aber im Laufe des Films werden Sie wirklich mitfühlen (und Sie werden Meeresfrüchte wahrscheinlich nie wieder auf die gleiche Weise sehen).

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Nanook des NordensFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Pathé Exchange

Nanook des Nordens (1922)

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Robert J. Flahertys stiller Vorgänger des modernen Dokumentarfilms verbringt ein Jahr damit, das Leben einer Inuit-Familie am Polarkreis zu verfolgen. „Der Film ist technisch nicht anspruchsvoll; Wie konnte es sein, mit einer Kamera, ohne Licht, klirrender Kälte und allen gleichermaßen der Natur ausgeliefert? Aber es hat eine Authentizität, die alle Klagen überwiegt, dass einige der Sequenzen inszeniert wurden.“ schrieb Roger Ebert, der auch sein Thema, den Titel Nanook, nannte, „einen der vitalsten und unvergesslichsten Menschen, die jemals auf Film aufgezeichnet wurden“.

Nacht und Nebel (1956)

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10 Jahre nach der Befreiung der Nazi-Konzentrationslager veröffentlicht, Alain Resnais 32-MinutenNacht und Nebelist ebenso ein Dokumentarfilm wie eine Abhandlung über die Unmöglichkeit wahrer Dokumentation. Das Ergebnis ist sowohl eine der tiefgründigsten Meditationen zum Holocaust als auch zum Dokumentarfilmschaffen insgesamt.

O.J.: Hergestellt in Amerika (2016)

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Ezra Edelmans fünfteilige Dokumentation für ESPN’s30 für 30bietet eine gründliche Untersuchung des soziologischen und historischen Kontexts, der O.J. Simpsons unschuldiges Urteil – obwohl ein schmerzlicher, offensichtlicher Justizirrtum – dennoch ein Bürgerrechtssieg für die schwarzen Angelenos, die sowohl von der Polizei als auch von den Gerichten lange terrorisiert wurden.

Original-Cast-Album: Company (1970)

Die Geschichte von D. A. PennebakersOriginal-Cast-Album: Companybeginnt in media res: „Mein Telefon klingelte. Es war Danny Melnick aus dem Büro von David Suskind mit einer anderen Idee.“ In einemKrieg der Sterne-esque Opening Crawl, der Filmemacher, bekannt für seine Politik- und Konzertdokumentationen (einschließlich 1967includingSchau nicht zurück), erklärt, dass er eine Serie aufgeschlagen hatte, die sich auf die ursprünglichen Aufnahmesitzungen der Broadway-Besetzung konzentrierte. Pennebaker akzeptiert; Beobachten der Besetzung und Crew von Stephen Sondheims KonzeptmusicalUnternehmenfür den Piloten. Das Ergebnis ist wohl so bewegend, lustig und dramatisch wie die Show selbst, ihre berühmteste Sequenz folgt den zunehmend frustrierten Versuchen von Elaine Strich, sie festzunageln. Die Damen, die zu Mittag essen .“ (Die Documentary Now!-Version des Films, Original-Cast-Album: Koop Sie ist großartig, und Paula Pells Spin auf Stritch ein Highlight.) Lange ein unverzichtbarer Text für Sondheim-Fans.Original-Cast-Albumist auch eine faszinierende Abhandlung über die unglaublich harte Arbeit, sehr gute Kunst zu machen.

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Paris brenntFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Off White Productions / Everett Collection

Paris brennt (1990)

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Jennie Livingstons ergreifender, tiefgründiger Film dokumentiert die New Yorker Modebälle der 80er Jahre – eine familiäre Welt abseits des weißen Amerikas mit ihren eigenen Regeln und Ritualen, die weitgehend geheim gehalten wurden, bis die Vogueing in den Mainstream Einzug hielt. (Stichwort Madonna.) Mit Bewegungen, inspiriert von afrikanischen Tänzen, ägyptischen Hieroglyphen, Modemagazinen und Fernsehsendungen wieDynastie, Voguer (oft entrechtete schwule Schwarze und Latino-Männer) posieren mit dem Können von Laufstegmodels oder Cirque du Soleil-Darstellern – nur besser, weil sie gleichzeitig „Schatten werfen“ können. Der Film nimmt sein Thema ernst und das Ergebnis ist ein zarter, tiefer Blick auf eine Subkultur, die als eine Reihe von Kontrasten zwischen Traum und Realität, Vortäuschen und Sein strukturiert ist und bis heute nachhallt.

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AnanasFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Sundance Selects/Everett Collection

Ananas (2011)

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Ursprünglich als Zusammenarbeit zwischen Regisseur Wim Wenders und seiner 20-jährigen Freundin, der Choreografin Pina Bausch, konzipiert, nachdem Bausch 2009 an Krebs gestorben war,Ananasnahm ein Eigenleben auf. Der Film „ist mehr eine Verfilmung des Tanzes als eine einheitliche Dokumentation darüber“, schrieb Antonina Jedrzejczak inczMode, „evokativ in seiner eleganten Verwendung von 3-D,Ananashat keine Handlung, Chronologie oder Erzählung, von der man sprechen könnte.“ Was ist das?tuthaben ist Bewegung. Wie Wenders sagteMode'Ich war nie wirklich tanzbegeistert, aber als ich Pina zum ersten Mal auf der Bühne sah, weinte ich wie ein Baby, am Rand meines Sitzes. Mein Gehirn verstand es nicht, aber mein Körper schien es. Als Pina und ich den Film gemeinsam planten, hatten wir ein paar Grundregeln: keine Erklärungen, keine Interviews, keine Biografien. Wir wollten, dass die Arbeit für sich selbst spricht. Sie hasste es, ihre Bewegung zu erklären; sie hasste es, es zu interpretieren.“ Oder wie es Bausch einmal formulierte: „Worte können nicht mehr, als Dinge hervorzurufen – da kommt der Tanz ins Spiel.“

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Königin von VersaillesFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Magnolia Pictures

Die Königin von Versailles (2012)

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Als die Fotografin Lauren Greenfield 2007 mit den Dreharbeiten zu David Siegel, dem Besitzer von Westgate Resorts, und seiner Frau Jackie begann, wollte sie den Bau des größten Einfamilienhauses der USA, eines 90.000 Quadratmeter großen Fuß Französisch-Château-by-way-of-Orlando McMansion, die sie 'Versailles' genannt hatten. Dann schlug die Finanzkrise von 2008 zu. Das Ergebnis ist eine auf den Kopf gestellte und überraschend sympathische (wenn auch nicht ohne Schadenfreude) Interpretation des amerikanischen Traums, Boom und Bust.

Restrepo (2010)

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EitelkeitsmesseDie Journalisten Sebastian Junger und Tim Hetherington sind für ein Jahr eines 15-monatigen Einsatzes von Battle Company, einem amerikanischen Zug im Korengal-Tal in Afghanistan – dem wichtigsten Taliban-Land, das den Spitznamen „Tal des Todes“ trägt – in eine unverblümte, gründliche Darstellung eingebettet moderner Krieg und die Männer, die ihn machen, in wasDer Wächter namens der „beste Kriegsfilm aller Zeiten“.

Robin Williams: Komm in meinen Geist (2018)

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Marina Zenovich (zu deren früheren Regiearbeiten Dokumentarfilme über Richard Pryor und Roman Polanski gehören) begann etwa ein Jahr nach seinem Tod mit der Arbeit an einem Dokumentarfilm über Robin Williams und schloss sich bald mit Alex Gibney zusammen, der als Koproduzent an Bord kam. Diese Zusammenarbeit ergab einen sensiblen, impressionistischen Blick auf Williams kometenhaften Aufstieg zum Ruhm: Zenovich verwendet Videomaterial von Williams' manischer Bühnenfigur (einschließlich vieler B-Rolls aus seinen verschiedenen TV- und Filmprojekten) neben gefundenen Audiointerviews, die die ruhigere Seite des Superstar-Komikers enthüllen . „Ein Porträt eines Mannes, der weitaus komplexer und weniger anschmiegsam ist als die von uns in derFrau DoubtfireGeneration hätte sich vorstellen können“, schrieb Julia Felsenthal in ihrer Rezension fürMode.

Verkäufer (1969)

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Albert und David MayslesVerkäuferfolgt vier Tür-zu-Tür-Verkäufern der Mid-American Bible Company, während sie durch Amerika reisen und ihre Waren in wasDie New York Times namens eine Reise „eine ebenso exotische und seltsame Reise wie jede andere, die der verstorbene Robert Flaherty (Nanook des Nordens,Tabu) jemals durch die Arktis oder die Südsee geführt hat.“ Es ist auch eine der großartigen filmischen Aussagen über Amerikas Macherkultur des Kapitalismus und wie sie dazu neigt, zu einem psychologischen Käfig zu werden, der den Menschen das Gefühl gibt, Versager zu sein.

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Suche nach SugarmanFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Sony Pictures/Everett Collection

Suche nach Sugarman (2012)

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Malik Bendjellouls Film findet seinen Fokus in Sixto Rodriguez, einem Bob Dylan-artigen Barden aus dem Detroit der 1960er Jahre, der es nie ganz in die amerikanische Rockszene geschafft hat, aber ohne sein Wissen zu einer Musikikone in Südafrika wurde. Der Film fliegt von Kapstadt nach Los Angeles in die Motor City und erzählt dabei eine großartige Geschichte, die zu bemerkenswert ist, um sie hier zu verwöhnen. „Es genügt zu sagen“, schreibtMode's Filmkritiker John Powers, 'Rodriguez erweist sich nicht nur als größer als seine Musik, sondern zeigt auch, dass der Unterschied zwischen einem beliebten und einem unbeliebten Sänger oft nicht der Sänger ist - sondern der, der zuhört.'

Senna (2010)

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Der Dokumentarfilm von Asif Kapadia handelt von Leben und Tod des brasilianischen Formel-1-Stars Ayrton Senna, der nur 10 Jahre nach seinem ersten Rennen (dem Großen Preis von Brasilien 1984) starb. Der Film besteht hauptsächlich aus Archivmaterial, das den Zuschauer effektiv auf den Beifahrersitz setzt, da er den Nervenkitzel und die Gefahren des Sports demonstriert: Senna wird nur einen Tag vor seinem eigenen tödlichen Unfall Zeuge des erschreckenden Todes eines Mitfahrers und macht Lobbyarbeit herzzerreißend für mehr Fahrersicherheit. Dass so viel von Sennas letzten Tagen auf der Leinwand festgehalten wurde, ist tragisch, aber auch unglaublich surreal, als würde der Zuschauer die Dinge beobachten, wie sie geschehen, und nicht ein Ereignis aus vergangenen Jahrzehnten.

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Die September-AusgabeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Roadside Attractions / Everett Collection

Die September-Ausgabe (2009)

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„Mode hat etwas an sich, das die Leute sehr nervös machen kann“, Anna Wintour (Creative Director von Condé Nast undMode's Chefredakteur) sagt zu Beginn von R. J. Cutlers Dokumentation. Cutlers Film, der seinen Schwerpunkt in der Produktion der September-Ausgabe 2007 findet (ein rekordverdächtiger 800-seitiger Wälzer, der mehr als 4 Pfund wog, 13 Millionen Mal verkauft wurde und die 300 Milliarden Dollar globale Modeindustrie mehr beeinflusste als jede andere Single Publikation) ist ein intimer, lustiger und letztlich lehrreicher Blick auf die Büropolitik, eine wirtschaftliche Boomzeit im Printbereich und die Modebranche durch die Linse ihrer ikonischsten Publikation. Cutler verbringt Monate hinter den Kulissen beiMode, zu Fashion Weeks im In- und Ausland gehen, bei Shootings und Reshoots mitmachen und bei geschlossenen Mitarbeitergesprächen vorbeischauen, um Zeuge des mühsamen, unterhaltsamen und manchmal emotional anspruchsvollen Prozesses zu sein, der eine ikonische Publikation erfordert.

Shermans Marsch (1985)

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Ross McElwees eigenwilliger, charmanter Film handelt vordergründig von den bleibenden Nachwirkungen der „totalen Kriegsführung“ von General William Tecumseh Sherman in den letzten Monaten des Bürgerkriegs, die der Filmemacher auf Shermans Spuren durch Georgia und die Carolinas entdecken will. Stattdessen wird es zu einem fast dreistündigen Grübeln über die persönlichen Beziehungen des Filmemachers – nämlich seine anhaltende Suche nach Liebe an den falschen Orten. Schrieb Vincent Canby inDie New York Times: 'Obwohl Mr. McElwees Timing mit Frauen schrecklich ist, ist er ein Filmemacher-Anthropologe mit einer seltenen Wertschätzung für die exzentrischen Details unserer ausgefallenen Zivilisation.' Er gab auch den Ton für nabelschauende Cineasten für kommende Generationen an.

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HolocaustFoto: Mit freundlicher Genehmigung von New Yorker Films/ Everett Collection

Holocaust (1985)

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Claude Lanzmanns bahnbrechende neunstündige Auseinandersetzung mit dem Holocaust, in der er unzählige Überlebende und Täter eines der dunkelsten Momente der Geschichte interviewt, ist eher ein Akt des Zeugnisses als des dokumentarischen Filmemachens. „Auf diesen Film gibt es keine angemessene Reaktion“, Roger Ebert schrieb in seiner Rezension . „Es ist eine enorme Tatsache, ein 550-minütiges Heulen des Schmerzes und der Wut angesichts des Völkermords. Es ist einer der edelsten Filme, die je gedreht wurden.“

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GebanntFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Thinkfilm / Everett Collection

Gebannt (2002)

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Regisseur Jeff Blitz nimmt sich der National Spelling Bee von 1999 in einem faszinierenden Porträt einer Gruppe junger Menschen und ihrer Familien an, in dem eine eigentümliche, anachronistische, wortbesessene Subkultur zu einem Fenster in die zeitgenössische amerikanische Gesellschaft wird.

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Geschichten, die wir erzählenFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Roadside Attractions / Everett Collection

Geschichten, die wir erzählen (2012)

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Obwohl bekannt für ihre Rollen in Filmen wie Doug LimansGehenund ihre Regie des bewegenden DramasVon ihr weg(mit Julie Christie) ist Sarah Polleys bewegender persönlicher Dokumentarfilm so etwas wie ein Liebesbrief an ihre Eltern – den pensionierten englischen Schauspieler Michael Polley und die kanadische Darstellerin und TV-Persönlichkeit Diane Polley, die im Alter von 11 Jahren an Krebs starb in Sarahs Wunsch, einen Film zu machen, der ihre Mutter durch die Erinnerungen ihrer Freunde und Familienmitglieder zusammensetzt. Was stattdessen entsteht, ist mehr als das, was der Regisseur erwartet hat, und wasDie New York Times'S Manohla Dargis namens „eine ergreifende dokumentarische Geschichte über eine Mutter und eine Frau, die auf viele der bekannten Weisen schmerzten, aber nicht immer dem typischen weiblichen Spielbuch folgten, was ihrem Leben auch die Resonanz eines Mysteriums verleiht, das zu schön ist, um es zu verderben.“

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Super Size MeFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Samuel Goldwyn Films / Everett Collection

Super Size Me (2004)

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Das umgängliche, ekelerregende soziale Experiment von Regisseur Morgan Spurlock (die Entscheidung, 30 Tage lang nur McDonalds zu essen) wird zu einem öden Blick auf die Fast-Food-Industrie und Amerikas Fettleibigkeitsepidemie. Der Film führte schließlich dazu, dass einer der größten Lebensmittelkonzerne der Welt seine Politik änderte. Es ist schwer, mehr Einfluss zu bekommen.

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Die dünne blaue LinieFoto: Mit freundlicher Genehmigung von American Playhouse / Everett Collection

Die dünne blaue Linie (1998)

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Der gefeierte Dokumentarfilmer Errol Morris arbeitete als Privatdetektiv, als er begann, gegen einen Psychiater der Staatsanwaltschaft namens Dr. James Grigson (den Spitznamen „Doktor Tod“ wegen seiner Neigung, die Hinrichtung zu empfehlen) zu ermitteln, als er vom Fall Randall Dale Adams besessen wurde war wegen des Mordes an einem Polizisten aus Dallas 1976 zu lebenslanger Haft verurteilt worden und beteuerte seine Unschuld. Morris glaubte ihm, und wie Janet Maslin inDie New York Times, der Filmemacher „erkundet diesen Fall und geht weit darüber hinaus, auf die dunkle Seite der Gerechtigkeit und zu einer ebenso poetischen wie perversen Vision. . . Versteckte Motive, zurückgehaltene Daten und fragwürdige Interpretationen der Fakten sind allgegenwärtig, und jedes Interview wirft unweigerlich mehr Fragen auf, als es beantwortet.“

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Die Zeiten von Harvey MilkFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Black Sand Productions / Everett Collection

Die Zeiten von Harvey Milk (1984)

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Robert Epsteins Dokumentarfilm findet seinen Schwerpunkt in Harvey Milk – dem ausgesprochenen Menschenrechtsaktivisten und einem der ersten offen schwulen US-Politiker, der 1978 in ein öffentliches Amt gewählt wurde und der 1978 ermordet wurde – und im größeren Kontext um ihn herum. Es ist ein bewegendes Werk der Fürsprache als Porträt des schwulen Lebens in Amerika (insbesondere San Franciscos historischem Stadtteil Castro in den 1970er Jahren) und ein Zeugnis des Lebens eines politischen Visionärs.

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Zwanzig Fuß von StardomFoto: Mit freundlicher Genehmigung von RADiUS-TWC / Everett Collection

Zwanzig Fuß von Stardom (2013)

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Die seltene Musikdokumentation, die wirklich Spaß macht, ist Morgan Nevilles mitreißende, mit einem Oscar ausgezeichnete Dokumentation, die das Leben und die Karriere einer Handvoll der erfolgreichsten – wenn auch allzu oft unbesungenen – Musiker der Musikindustrie untersucht: Background-Sänger. Der Film stützt sich auf Interviews und Archivmaterial von Leuten wie Mick Jagger, Bruce Springsteen, Prince, David Bowie, Sting, David Byrne und Phil Spector und erweist sich als ausgelassene Hommage und bietet eine neue Perspektive auf einige der bekanntesten Musikstücke der vergangenes Jahrhundert.

Das Oben Serie (1964–)

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Die monumentale fortlaufende Dokumentarserie von Michael Apted, die im Abstand von sieben Jahren eine Gruppe englischer Schulkinder aus verschiedenen sozialen Bereichen verfolgt, begann 1964 mitSieben hoch!und war als Einzelstück gedacht. (Ab 2012 ist die Serie jetzt bei56 nach oben.) Die ursprüngliche Hypothese der Serie, die ursprünglich von der BBC in Auftrag gegeben wurde, war, dass die Klassenstruktur in Großbritannien so stark ist, dass der Lebensweg einer Person bei der Geburt festgelegt wird. ImDer New Yorker, Rebecca Met schreibt dass „anstatt den Druck äußerer gesellschaftlicher Kräfte zu offenbaren, die Serie die allmähliche innere Entwicklung von Empathie und Sympathie zeigt – auf Seiten ihrer Teilnehmer und auf Seiten ihres Schöpfers“ und „die gleiche wachsende Sympathie von ihrem Publikum fordert“. Roger Ebert schrieb dass es „ein beseelter, ja sogar edler Umgang mit dem Medium Film ist“, dass die Filme „zum zentralen Mysterium des Lebens vordringen“ und dass die Serie zu seinen Top 10 Filmen aller Zeiten gehört.

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Walzer mit BashirFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Sony Pictures Classics / Everett Collection

Walzer mit Bashir (2008)

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In diesem animierten Dokumentarfilm versucht der israelische Filmemacher Ari Folman, seine Erfahrungen als Soldat im Libanonkrieg 1982 zu verstehen. “Walzer mit Bashirwird Ihr Verständnis für sein spezifisches Thema sicherlich bereichern und erschweren – den Libanonkrieg und insbesondere das Massaker an Palästinensern durch libanesische Phalangisten-Kämpfer in den Flüchtlingslagern Sabra und Shatila“, so A.O. Scott schrieb inDie New York Times , 'aber es kann auch die Art und Weise ändern, wie Sie darüber nachdenken, wie Filme der Geschichte begegnen können.'

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Der KriegsraumFoto: Mit freundlicher Genehmigung von October Films / Alamy

Der Kriegsraum (1993)

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Die Filmemacher D. A. Pennebaker und Chris Hegedus verfolgen Bill Clintons Präsidentschaftswahlkampf 1992 von New Hampshire im Januar 1992 bis zur Siegesfeier in Little Rock im November desselben Jahres. George Stephanopoulos und James Carville, die sich mit unvorhergesehenen Problemen und negativer Presse auseinandersetzen, während ihr Kandidat mit Vorwürfen des Ehebruchs und der Wehrpflicht geplagt wird. Der wahre Mittelpunkt dieses wachsamen, ehrlich bewundernden Films sind die Clinton-Wahlkampfmitarbeiter mit James Carville und George Stephanopoulos.

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Wiener WürstchenFoto: Mit freundlicher Genehmigung von Sundance Selects / Everett Collection

Wiener Würstchen (2016)

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„Warum beschloss Anthony Weiner, der verheiratete US-Kongressabgeordnete, der 2011 nach einem Sexting-Skandal sein Amt niederlegte, zwei Jahre später, als Bürgermeister von New York zu kandidieren? Warum hat er die Zeitachse seiner Unangemessenheit falsch ausgelegt, obwohl sich sehr wahrscheinlich mehr sexy Brieffreunde melden würden? Warum schickte er überhaupt Schwanzbilder an Fremde? Und warum ließ er die Dokumentarfilmer Josh Kriegman und Elyse Steinberg seine gesamte Bürgermeisterwahl filmen, selbst nachdem seine Comeback-Pläne angesichts der Hinweise auf weiteres Sexting und der beunruhigenden Nachricht, dass er einige seiner Cyber-Affären unter dem Namen „Carlos Danger“ geführt hat, ins Stocken geraten waren ?' fragteModeJulia Felsenthal in ihrer Kritik zu Kriegmans und Steinbergs Film, und während die Antworten dünn gesät sind, hat Weiners 'zwanghaftes, rücksichtsloses Verlangen, gesehen zu werden, zweifellos zu Gunsten der Filmemacher gewirkt', schreibt sie.Wiener Würstchen„ist ein unangenehm gezoomtes, Warzen-und-all-Porträt eines Mannes, der ebenso zwanghaft, rücksichtslos süchtig nach Politik ist wie nach Sexting mit Fremden.“

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Westlich von MemphisFoto: Olivia Fougeirol / Mit freundlicher Genehmigung von Sony Pictures Classics / Everett Collection

Westlich von Memphis (2012)

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Im Jahr 1994 wurden drei Teenager in West Memphis wegen Mordes an drei kleinen Jungen verurteilt, deren Körper offenbar Anzeichen von Folter und rituellen Übergriffen aufwiesen. Die Staatsanwälte führten ein reißerisches Gerichtsverfahren, in dem die Verbrechen als Teil eines satanischen Rituals dargestellt wurden, das von entfremdeten Teenagern durchgeführt wurde, die sich schwarz kleideten und Heavy Metal hörten, von denen einer eine „Goth“-Frisur hatte. Beginnend mit einer Untersuchung der polizeilichen Ermittlungen bringt die Filmemacherin Amy Berg neue Beweise im Zusammenhang mit der Festnahme und Verurteilung von Damien Echols, Jason Baldwin und Jessie Misskelley ans Licht. Alle drei waren damals Teenager und verloren 18 Jahre ihres Lebens, nachdem sie zu Unrecht verurteilt und inhaftiert worden waren.

Als die Deiche brachen: Ein Requiem in vier Teilen (2006)

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Spike Lees vierteilige Elegie für New Orleans während des Hurrikans Katrina verwendet einen kraftvollen Chor von Zeugen und sprechenden Köpfen, der Rassen- und Klassengrenzen in einem Stil durchbricht, der Schiefer genannt „Jazz“ und „so amerikanisch wie Gumbo oder Gershwin“. Lee kombiniert Bilder der Stadt vor und nach der Flut: „Straßenbahnen, aufgesprühte Leichenwarnungen, Stock-Footage-Segregationisten, Karneval-Krewes, Wasser, das so hoch steigt, dass es droht, ein grünes Schild zu versenken, das die Humanity Street markiert, Überlebende an der Superdome, Tonband des faulen Mississippi.“ Als Stephen Holden schrieb imDie New York Times, enthält der Film „keine größeren neuen Enthüllungen über die unverschämt verspätete Reaktion der Bush-Regierung auf die Krise, als ob überhaupt welche nötig wären. Die Misserfolge sprechen für sich.“

Willst du nicht mein Nachbar sein? (2018)

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„Toleranz, Freundlichkeit, Empathie: Dies waren die Leitprinzipien von Mr. Rogers’ selbstgebasteltem Programm, das den kinetischen Rausch des Kinderfernsehens meidete.“ModeTaylor Antrim schrieb in seiner Rezension über Morgan Nevilles Erforschung von Fred Rogers leise radikalem Leben. Der entstandene Film ist kein biografischer Dokumentarfilm, kein manipulativer Tränenfilm, sondern eine intelligente Auseinandersetzung mit den Vorstellungen der verstorbenen Kulturikone über das Selbstwertgefühl, über die Auseinandersetzung mit (nicht vor der) Realität, seine respektvollen Vorstellungen davon, was selbst sehr kleine Kinder können Griff und die tiefgreifende Wirkung der Freundlichkeit.

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